UNIDAD DIDÁCTICA
12
LA GENERACIÓN
DEL 27 O LA GENERACIÓN DE LA AMISTAD
Hacia
1920 irrumpió en el panorama cultural español una promoción
literaria de calidad excepcional que se conoce como generación del
27. Se trataba de un grupo de jóvenes autores que, aunque
escribieron teatro, ensayo y novela, destacaron, sobre todo, por su
poesía.
Los poetas más
relevantes de la generación del 27 fueron: Rafael Alberti, Federico
García Lorca, Pedro Salinas, Jorge Guillén, Luis Cernuda, Vicente
Aleixandre, Dámaso Alonso, Pedro Salinas, Manuel Altolaguirre y
Emilio Prados.
La producción del
27 coincidió en el tiempo con la de los escritores de fin de siglo,
las vanguardias y Juan Ramón Jiménez, y con la obra de pintores
como Picasso o Dalí, músicos como Manuel de Falla y cineastas como
Buñuel. El esplendor artístico y cultural de este período ha
llevado a acuñar la denominación de “edad de plata” para esta
etapa de la cultura española.
Los RASGOS
GENERACIONALES de este grupo poético son los siguientes:
1ª) Todos nacen
entorno a 1900. El mayor, Salinas, nace en 1892; el más joven,
Altolaguirre, en 1905.
2ª) Formación
intelectual semejante. La mayoría tienen estudios
universitarios, tuvieron influencia de la Institución Libre de
Enseñanza y coincidieron en la Residencia Universitaria de Madrid
(que potenció su liberalismo, su pasión por la cultura, su afinidad
en gustos literarios y en la orientación estética).
3ª) Actividades
comunes: labor docente, asistencia a las mismas tertulias,
participación en revistas literarias ( Verso y Prosa, Carmen y Lola,
Litoral…)
3ª)
Acontecimiento generacional que les une: homenaje a Góngora en
el 3º centenario de su muerte,en 1927, (fecha que da nombre al
grupo) en el Ateneo de Sevilla. A los miembros de la generación del
27 le gusta la poesía del poeta cordobés y la estética barroca.
4ª) Guías o
maestros: Juan Ramón Jiménez (su “poesía pura” constituyó
el referente más claro en el panorama español, sobre todo a partir
de Diario de un poeta recién casado), José Ortegga y Gasset (la
influencia de Ortega fue ideológica y teórica. En La
deshumanización del arte (1925) estableció los rasgos del nuevo
arte a partir de la observación de la literatura de su época:
deshumanización y autonomía de la obra artística, arte de
minorías, intrascendencia, juego, ironía y predominio de
metáforas), Góngora, Gómez de la Serna, Antonio Machado..Del
modernismo tomarán su rigor artístico, su concepción misteriosa de
la poesía.
5ª) Lenguaje
generacional:
- Mezcla de lo
popular y lo culto o vanguardista. Las vanguardias ejercen gran
influencia sobre ellos, a lo largo de la historia, los distintos
movimientos artísticos y literarios se han ido generando
principalmente como reacción ante la práctica establecida. Así
ocurrió en el paso de la Edad Media al Renacimiento, de este al
Barroco, etc. Sin embargo, el periodo entre las dos guerras mundiales
del siglo XX es significativo por la facilidad y rapidez con que se
suceden estas propuestas innovadoras y por la diversidad de
soluciones que se da al problema planteado por las relaciones entre
la realidad y la obra de arte.
Las llamadas
vanguardias históricas (futurismo, cubismo, surrealismo, ...)
intentan dar respuesta a ese descontento ante las manifestaciones del
arte burgués y proponen actuaciones que unas veces quedaron solo en
la gesticulación mientras que otras siguen teniendo una importante
presencia en los planteamientos actuales de la obra de arte.
. Busca
información sobre las vanguardias en los siguientes
enlaces y después contesta a las preguntas:
Preguntas sobre
las vanguardias
1.- ¿Qué son los
“ismos” o movimientos de vanguardia?
2.- ¿En qué
momento y lugar aparecen los movimientos vanguardistas? ¿Por qué
surgen?
3.- ¿Cuáles son
las características comunes a las vanguardias históricas?
4.- ¿Eres capaz de
explicar el concepto de “autonomía del arte”?
5.- ¿Cuál es tu
opinión sobre el arte de vanguardia (pintura, escultura,
arquitectura, música...)? ¿Te gusta? ¿Lo comprendes? ¿Te gustaría
saber más sobre este tipo de arte? Escribe un breve texto explicando
estas cuestiones.
6.- ¿Qué tipo de
manifestaciones artísticas en música, pintura, cine, escultura,
danza, etc. te parece que habría que desterrar por antiguas y
caducas? Identifica al menos un ejemplo de esas manifestaciones que
estarías dispuesto/a a cambiar si fueras un artista.
6º - Tendencia a
experimentar, sobre todo en métrica y en el ritmo.
- Combinaron las
formas métricas tradicionales (sonetos, décimas, romances,
letrillas, coplas, seguidillas…) con el verso libre. Con su
aportación queda definitivamente consolidado el verso libre, cuyo
ritmo no se basa en la repetición de palabras sino en el cómputo
silábico sino en la repetición de ideas, palabras y estructuras
semánticas.
- Empleo de recursos
de carácter irracional: sinestesias (“color chillón”),
símbolos, metáforas, imágenes. Cultivaron tanto la imagen como la
imagen visionaria que relaciona los objetos, no por su semejanza
física, sino por las emociones que despiertan. Jorge Guillén llega
a decir que: “los poetas de su generación hablaban por imágenes”.
Con ellas consiguieron la renovación del lenguaje poético.
7º Temáticamente
trataron todos los grandes asuntos del ser humano (el amor, el
universo, el destino, la muerte) pueblan las obras de los poetas del
27. Aún así, se observa que los motivos temáticos están
relacionados con la apreciación de los avances técnicos, del
desarrollo urbano, de la eclosión artística. Y también del sentido
de la libertad como un principio que abarca todas las vivencias del
individuo:
v La ciudad. Aparece
unida a la visión futurista, impregnada de optimismo. Los poetas del
27 amaron la ciudad, valoraron el confort, el cine, la publicidad;
pero también observaron el aspecto negativo del desarrollo urbano.
v La naturaleza.
v El amor: Se
presenta como la plenitud del individuo y admite todas las
manifestaciones posibles, con un sentido de libertad: amor
heterosexual y también homosexual. Sin embargo, el choque entre esta
actitud y la realidad en que vivían llevó muchas veces al dolor.
v Las artes.
Influidos claramente por las vanguardias literarias, las artes se
convirtieron en tema de creación poética.
-ETAPAS-
Aunque cada poeta
sigue una trayectoria muy personal se puede observar una evolución
similar. Se suelen distinguir tres etapas en la trayectoria del
grupo:
1) Hasta 1928:
influencia de las primeras vanguardias (Salinas, Lorca, Alberti,
Gerardo Diego), de la poesía pura (Salinas, Guillén) y de la poesía
popular (Alberti, Lorca, Gerardo Diego):
2) De 1928 a
1939: se percibe cierto cansancio del puro formalismo. Se inicia
un proceso de rehumanización. Es el momento de influencia del
Surrealismo, poesía comprometida y social);
3) A partir de
1939: muerte de Lorca (1936). El grupo se dispersa (la mayor
parte en el exilio).
En resumen, las
características más destacables de este grupo son:
1º La unión de
Tradición y vanguardismo: desean renovar la estética de
la poesía, pero sin romper con las formas tradicionales. Sienten
admiración por el lenguaje poético de Góngora, por los autores
clásicos y por las formas populares del Romancero, y por autores
inmediatamente anteriores, como Antonio Machado o Juan Ramón
Jiménez. Al mismo tiempo, desean encontrar nuevas formas poéticas
basadas en las corrientes de vanguardia, sobre todo el Surrealismo,
que explora el mundo de lo inconsciente. Intención estética:
preocupación por la forma, buscan la belleza a través de imágenes
que usan deforma abundante y de metáforas. Pretenden —algunos—
alcanzar la poesía pura; quieren representarla realidad sin
describirla, eliminando todo aquello que no consideran propiamente
poético.
2º En cuanto a la
Temática: sienten especial interés por los grandes
asuntos humanos: alegría, amor, dolor, muerte,destino… A la
vez les interesan los temas populares y «las nuevas tecnologías»
de su época. La durísima experiencia de la Guerra Civil dará un
tono más trágico a la mayor parte de sus obras.
3º Estilo:
se preocupan fundamentalmente de la expresión lingüística y buscan
un lenguaje cargado de lirismo, ya sea por medio del empleo de un
léxico culto, o, aunque parezca contradictorio, con el uso de
palabras y giros coloquiales .Versificación: utilizan estrofas
tradicionales (romance, copla...) y clásicas (soneto, terceto...).
También utilizan el verso libre y buscan el ritmo en la repetición
de palabras, esquemas sintácticos o paralelismo de ideas.
-PRINCIPALES
AUTORES Y OBRAS-
o Pedro Salinas:
dentro de su producción destaca 1ª etapa: Presagios, Seguro azar
Fábula y signo, 2ª etapa su poesía amorosa: La voz a ti debida
(1933), Razón de amor y Largo lamento ; en todos ellos se expresa
una experiencia amorosa, erótica y espiritual en la que la amada es
la figura esencial. . 3ª etapa: El contemplado, Todo más claro,
Confianza
o Jorge Guillén:
su obra se encuadra dentro de la poesía pura y presenta una amplia
variedad temática: reflexiones sobre la existencia y la realidad, la
búsqueda de la esencia y de lo perdurable, la alegría de vivir...
Destacan: Cántico; Clamor (que incluye tres libros de poemas);
Homenaje...
o Gerardo Diego:
poesía absoluta –de influencia vanguardista (Imagen, Manual de
espumas…) y poesía relativa –de tipo tradicional (Versos
humanos, Alondra de verdad,…).
o Rafael Alberti:
cultiva distintas tendencias: Neopopularismo (Marinero en tierra),
Barroquismo y vanguardia (Cal y canto), Surrealismo (Sobre los
ángeles), Poesía social y política (El poeta en la calle) y poesía
del exilio (Retorno de lo vivo lejano). Las tres primeras son sus
obras más conocidas.
o Luis Cernuda:
reunió su poesía completa en un libro titulado La realidad y el
deseo, que nos permite ver cuál es la clave de su poesía:
enfrentamiento entre deseo (de amor, de felicidad, de libertad...) y
realidad (la frustración, la apariencia, el caos...) Algunos de los
libros incluidos son: Perfil del aire, Los placeres prohibidos, Donde
habite el olvido, Vivir sin estar viviendo....
o Dámaso Alonso:
se dedicó a la poesía y a la crítica literaria. Su poesía parte
de la estética de la Generación del 27, de tono neopopular. Sin
embargo, evoluciona hacia una poesía de tono existencial que alcanza
su mejor momento en la posguerra con Hijos de la ira, obra que lo
convierte en el poeta más representativo del momento.
o Vicente
Aleixandre: premio Nobel de Literatura. Su poesía muestra la
unidad amorosa del mundo en sus distintas manifestaciones: la
naturaleza, el amor, los animales, los objetos, el ser humano...
Entre su producción, que también pasó por distintas etapas,
destacan: Espadas como labios, La destrucción o el amor, Sombra del
paraíso, Historia del corazón,...
o Federico García
Lorca:
Federico García Lorca nace en Fuente Vaqueros en 1898. Pasó los
primeros años de su infancia en el ambiente rural de su pequeño
pueblo granadino.
«Mi infancia es aprender letras y música con mi madre, ser niño
rico en el pueblo, un mandón… Toda mi infancia es pueblo.
Pastores, campo, cielo soledad…»
. Más adelante va a estudiar a un colegio de Almería y, en Granada,
realiza el bachillerato. Continuó sus estudios superiores en la
Universidad de Granada:estudió filosofía y letras y se licenció
en Derecho. En la universidad trabó amistad y colaboró con el
músico Manuel de Falla, quien le transmitió su amor por el folclore
y lo popular (músicas, canciones…).En esa época, el joven
Federico escribe y estrena algunas obras de guiñol, musicadas por
Falla.A partir de 1919, se instaló en la Residencia de Estudiantes
de Madrid (aprovechando los ve-ranos para visitar su Andalucía
natal). Allí conoció a poetas como Juan Ramón Jiménez y Machado;
trabó amistad con poetas de su generación —la llamada«del 27»—
y artistas como el futuro director de cine Luis Buñuel o el pintor
Salvador Dalí. En este ambiente, Lorca se dedicó a la poesía, a la
música y al dibujo, y empezó a interesarse también más
profundamente por el teatro. En 1921 publicó su primera obra en
verso,Libro de poemas, pero el verdadero éxito literario le llegó
con la publicación, en 1927, de Canciones y, sobre todo,con las
exitosas representaciones de su drama Mariana Pineda. Entre 1921 y
1924 escribe el Poema del cante jondo y en 1928se consagra como poeta
con el Romancero gitano, donde se entrelazan lo popular y su
estilización culta. Tras este éxito, Lorca viajó a Nueva York,
posiblemente para alejarse del dolor producido por un fracaso
sentimental. En esta ciudad —
«una de las experiencias más útiles de mi vida»— reside durante
el curso 1929-1930. Las impresiones que imprimió en su ánimo la
ciudad las expresó en Poeta en Nueva York, un canto angustioso, con
ecos de denuncia social, contra la civilización urbana y mecanizada,
escrito empleando complejos recursos oníricos de carácter
surrealista. De regreso a España, en 1932 funda y dirige la compañía
de teatro universitario La Barraca, que, amparada por los aires
renovadores de la recién proclamada II República, pretendía
popularizar el teatro llevando representaciones de obras del Siglo de
Oro a numerosos pueblos del Estado español. Ya conocido
internacionalmente, viajó entre 1933 y 1934 por Argentina y Uruguay,
dictando conferencias y estableciendo contactos literarios con
intelectuales latinoamericanos. Publicó otros dos libros de poemas
—Diván del Tamarity elLlanto por Ignacio Sánchez
Mejías(1936).Lorca, en estos últimos años de su vida, se consagró
al teatro, publicando y estrenado con unéxito inusitado sus grandes
tragedias:
Bodas de sangre(1933),Yerma(1934) yLa Casa deBernarda Alba(1936).Días
antes de estallar la Guerra Civil, en julio de 1936, Federico García
Lorca decide regresar aGranada. Allí fue detenido por las fuerzas
franquistas y fusilado —asesinado— diez días más tarde,el 19 de
agosto, por poeta, homosexual, librepensador y porque sus ideas,
según los fascistas,podían alterar el orden y la paz social
Su obra, fruto de
una fantasía e imaginación desbordantes, remite a una amplia
tradición literaria, fundida con elementos de vanguardia. Fue un
gran poeta y un gran dramaturgo. Como poeta presenta tres etapas: 1ª:
importancia de lo popular y lo andaluz (Canciones, Romancero gitano,
Poema del cante jondo) 2ª: influencia del surrealismo (Poeta en
Nueva York) 3ª: últimas obras (Diván del Tamarit, Llanto por la
muerte de Ignacio Sánchez Mejías, Sonetos del amor oscuro...). Como
dramaturgo, mencionar simplemente, dado que corresponde a otro tema,
sus tres grandes tragedias: Yerma, Bodas de Sangre y La casa de
Bernarda Alba.
La poesía de Lorca
se basa a menudo en canciones y temas aparentemente populares, pero
matizados o reinterpretados en una versión culta cargada de símbolos
y metáforas cuyo significado no siempre está claro, incluso a
veces para el propio poeta. Así nos dice:
«Yo quise fundir el
romance narrativo con el lírico sin que perdieran ninguna calidad y
este esfuerzo se ve conseguido en algunos poemas del Romancero
(gitano) como el llamado “Romance sonámbulo”, donde hay una gran
sensación de anécdota, un agudo ambiente dramático y nadie sabe lo
que pasa, ni aun yo, porque el misterio poético es también misterio
para el poeta que lo comunica, pero muchas veces lo ignora»
. Con todo, sí que
podemos acercarnos a una interpretación de estos símbolos: se
refieren frecuentemente a la muerte, aunque dependiendo del contexto
los matices varían bastante: puede simbolizar el erotismo,la
fecundidad, la esterilidad o la belleza. Otros símbolos centrales en
Lorca son:
La luna, casi
siempre asociada a la muerte.
El agua suele
tener un significado negativo, también de muerte (pozos, acequias,
aljibes…).
La sangre,
que representa la vida. Por ello, al ser derramada es la muerte.
Simboliza también lo fe-cundo, lo sexual.
El caballo (y su
jinete) está muy presente en toda su obra, portando siempre
valores de muerte.
Los metales
también suelen referirse a la muerte. Aparecen bajo la forma de
diversos objetos: puñales,cuchillos, navajas..., con lo que esa
muerte se asocia a la violencia y la sangre.
Las flores y los
vegetales en general son siempre símbolos de fuerza, de
virilidad, de sencillez, de honradez... pero también lo pueden ser
de muerte cuando aparecen como flores secas.
LEYENDO A LORCA:
3 ROMANCES
Romance de la
luna, luna (Romancero gitano)
1 La luna vino a la
fragua
con su polisón de
nardos.
El niño la mira,
mira.
El niño la está
mirando.
5 En el aire
conmovido
mueve la luna sus
brazos
y enseña, lúbrica
y pura,
sus senos de duro
estaño.
– Huye luna,
luna, luna.
10 Si vinieran los
gitanos,
harían con tu
corazón
collares y anillos
blancos.
– Niño, déjame
que baile.
Cuando vengan los
gitanos,
15 te encontrarán
sobre el yunque
con los ojillos
cerrados.
– Huye luna,
luna, luna,
que ya siento sus
caballos.
– Niño déjame,
no pises
20 mi blancor
almidonado.
El jinete se
acercaba
tocando el tambor
del llano.
Dentro de la
fragua el niño
tiene los ojos
cerrados.
25 Por el olivar
venían,
bronce y sueño,
los gitanos.
Las cabezas
levantadas
y los ojos
entornados.
Cómo canta la
zumaya,
30 ¡ay, cómo canta
en el árbol!
Por el cielo va la
luna
con un niño de la
mano.
Dentro de la
fragua lloran,
dando gritos, los
gitanos.
35 El aire la vela,
vela.
El aire la está
velando.
MUERTE DE
ANTOÑITO
EL CAMBORIO
Voces de muerte
sonaron
cerca del
Guadalquivir.
Voces antiguas que
cercan
voz de clavel
varonil.
Les clavó sobre las
botas
mordiscos de jabalí.
En la lucha daba
saltos
jabonados de delfín.
Bañó con sangre
enemiga
su corbata carmesí,
pero eran cuatro
puñales
y tuvo que sucumbir.
Cuando las estrella
clavan
rejones al agua
gris,
cuando los erales
sueñan
verónicas de
alhelí,
voces de muerte
sonaron
cerca del
Guadalquivir.
Antonio Torres
Heredia.
Camborio de dura
crin,
moreno de verde
luna,
voz de clavel
varonil:
¿Quién te ha
quitado la vida
cerca del
Guadalquivir?
Mis cuatro
primos Heredias
Hijos de
Benamejí.
Lo que en otros
no envidiaban,
ya lo envidiaban
en mí.
Zapatos color
corinto,
medallones de
marfil,
y este cutis
amasado
con aceituna y
jazmín.
¡Ay, Antoñito
el Camborio,
digno de una
Emperatriz!
Acuérdate de la
Virgen
porque te vas a
morir.
¡Ay Federico
García,
llama a la
guardia civil!
Ya mi talle
se ha quebrado
como caña de
maíz.
Tres golpes de
sangre tuvo
y se murió de
perfil.
Viva moneda
que nunca
se volverá a
repetir.
Un ángel
marchoso pone
su cabeza en
un cojín.
Otros de rubor
cansado
encendieron un
candil.
Y cuando los cuatro
primos
llegan a Benamejí,
voces de muerte
cesaron
cerca del
Guadalquivir.
Romancero
gitano, 1928
GUÍA DE LECTURA
DE BODAS DE SANGRE
Se
trata de una obraespecialmente relevante en la producción
teatral de Federico García Lorca, autor de la Generación del 27, ya
queel estreno de la pieza lo consagrará de modo definitivo como
autor trágico. Obras anteriores, como El maleficiode la mariposa
(1920) o Mariana Pineda (de influencia modernista) no
habían tenido tanto éxito. Las farsasguiñolescas no
habían sido estimadas en su auténtico valor. Las últimas farsas,
La Zapatera prodigiosa y el Amorde don Perlimplín, eran obras muy
significativas en su teatro, como también lo fueron las surrealistas
El públicoy Así que pasen cinco años, pese a considerarlas
irrepresentables el propio autor.
Lo
cierto y verdad es que Lorca triunfa en el teatro (con éxito de
crítica, no tanto de público) con Bodas desangre, estrenada en
marzo de 1933, aunque había sido creada en 1931-1932. La obra
podemos situarla en la trilogía de dramas rurales de la tierra
andaluza que escribió Lorca, trilogía que incluiría a Yerma y a La
casa de Bernarda Alba. Parece ser que la intención de Lorca era
incluir Bodas de sangre en una trilogía distinta, en la que
figuraría una obra que estaría en esbozo en la época en que murió
Lorca y que no se ha conservado y que iba a llevar por título La
destrucción de Sodoma. Pero como su teatro quedó abierto, por su
prematura muerte, los críticos han agrupado las tres obras que ya
conocemos, Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba (que fue
la última que escribió) en una trilogía que tiene en común el
carácter andaluz y rural, así como esa dimensióntrágica que las
caracteriza.
NOTICIA
INSPIRADORA
.-
La
historia se basa en un hecho real comentado en la prensa en 1928. El
25 dejulio de 1928 publicaba el diario ABC los hechos
bajo el título “Crimen desarrollado en circunstancias
misteriosas”:
[texto
de la noticia de prensa] “Almería, 24, 1 tarde. En las
inmediaciones de un cortijo de Níjar se ha perpetrado un crimen en
circunstancias misteriosas. Para la mañana de ayer se había
concertado la boda de una hija del cortijero, joven de veinte años.
En la casa se hallaban esperando la hora de la ceremonia el novio y
numerosos invitados. Como la hora se acercaba y la
novia no llegaba ni aparecía por la casa, los
invitados se retiraron contrariados. Uno de estos encontró a una
distancia de ocho kilómetros del cortijo el cadáver ensangrentado
de un primo de la novia que iba a casarse, apellidado Montes Cañadas,
de treinta y cuatro años. A las voces de
auxilio
del que hizo el hallazgo acudieron numerosas personas que regresaban
de la cortijada y la Guardia Civil,que logró dar con la novia,
que se hallaba en un lugar próximo al que se hallaba el
cadáver y con las ropas desgarradas. Detenida la novia,
manifestó que había huido en unión de su primo para burlar al
novio. La fuga la emprendieron en una caballería, y al llegar al
lugar del crimen les salió al encuentro un enmascarado, que hizo
cuatro disparos, produciendo la muerte de Montes Cañadas. También
fue detenido el novio, quien niega toda participación en el crimen,
que hasta ahora parece envuelto en el mayor misterio.”
Vemos,
pues que el suceso ocurrió en el pueblo almeriense de
Níjar, pero presenta algunas variantes con respecto a lo que
narra Lorca, ya que, en la historia que ocurrió realmente, no
existía ninguna rencilla entre las familias, el personaje
equivalente a Leonardo no estaba casado, la fuga se producía antes
de la boda, sólo murió el secuestrador de la novia de dos disparos,
y no lo mató el novio, sino un hermano de éste. El crimen tardó
varios días en aclararse y del carácter popular del entramado de la
noticia da fe el hecho de que dio origen a la creación de varios
romances.
Aunque
la obra fue escrita en muy pocos días, la maduración de la misma
duró años, pues Lorca rumiaba durante mucho tiempo el asunto y le
iba dando forma en su mente. Luego, de repente, cuando él
consideraba que ya estaba preparado para plasmarlo por escrito,
redactaba el texto. Posiblemente fue redactado en 1932, casi.cinco
años después del suceso que da pie a la obra.
En
cuanto a su estructura externa, la obra, en que se mezclan prosa y
verso, aparece dividida en tres actos y siete cuadros.
El
primer acto lo forman tres cuadros, ambientados en las respectivas
casas de la Madre, Leonardo
y
la Novia. En esta última también se desarrollan los dos cuadros del
segundo acto. El primer cuadro del tercer acto tiene lugar en un
bosque, y el último nos hace retornar a la casa de la Madre, donde
había empezado la obra. Los temores que asaltan a la Madre en los
primeros parlamentos se cumplirán de modo trágico al final. Se
trata de muertes anunciadas (recordando el título de la famosa
novela de Gabriel García Márquez). Por lo tanto, se trata de una
estructura circular y cerrada.
El
planteamiento se corresponde con el acto 1º y en él
se expone el origen subyacente del conflicto,
proyectado sobre todo en las intervenciones de la Madre, y los
temores de un futuro trágico. En casa del Noviose plantean las
dudas ante la próxima boda (Cuadro I), conocemos a
Leonardo, que había mantenido una relación con la Novia en
un tiempo anterior fuera de escena (Cuadro II) y el Novio y la Madre
visitan a la Novia y al Padre para ofrecerles regalos y concertar la
boda (Cuadro III).
El
nudo se corresponde con el acto 2º y se centra en los preparativos
de la boda con la asistencia de los invitados y los momentos previos
a la huida de la Novia con Leonardo. En el Cuadro I aparece por
sorpresa Leonardo, mientras la Novia es peinada por la criada y sale
para la boda entre cantos. En el cuadro II asistimos a la
celebración de la boda con intervenciones ocasionales
y fugaces en escena de la Novia y Leonardo, que
auguran la huida al final del mismo.
El
desenlace se desarrolla en el acto 3º, cuyo Cuadro I corresponde a
la captura de los fugados y en el que el Cuadro II viene a ser la
culminación de dicho desenlace, con el lamento resignado por parte
de los personajes femeninos destacados de la obra, la Madre del
Novio y la Novia.
García
Lorca desarrolla la acción muy inteligentemente:
a)En
el Acto I se plantean los hechos desde tres espacios distintos, como
hemos visto: la casa de la Madre,la casa de Leonardo y la casa de la
Novia. Los tres espacios confluyen en el Acto II en un lugar común:la
casa de la Novia.
b)Los
dos cuadros del Acto II presentan la situación en dos momentos
distintos: antes del casamiento y después de él. En este acto se
plantea el nudo, y, hasta ahora, el mundo reflejado es el del plano
real.
c)En
el Acto III, el mundo real desaparece y surge un mundo sobrenatural:
el bosque simbólico, con la presencia de personajes alegóricos,
como la Luna o la Muerte. Tres coros distintos intervienen en este
Acto III: en el primer cuadro, los leñadores comentan la acción e
invocan a la divinidad, mientras que la Luna y la Muerte
presencian la tragedia. En el segundo cuadro, aparecen
otros dos coros: el de las muchachas y la niña y el de
las mujeres que entonan la elegía final. El poeta, en el último
cuadro, nos ha devuelto a la realidad y al espacio creado al comienzo
de la obra.
La
estructura antes mencionada se sostiene sobre una
serie de intervenciones corales
(canciones
que anticipan/presagian/introducen y elevan la anécdota concreta a
dimensiones trágicas y simbólicas (igual que en la tragedia
griega). En la tragedia griega el coro tenía una función social.
Anunciaba la acción y encauzaba el sentir del público. Tenía un
carácter colectivo (voz de la conciencia colectiva) y anónimo.
En
Bodas de Sangre hay cinco intervenciones corales: coros anónimos
(“voces”) y otros asumidos por los diferentes personajes. Estos
coros se expresan en verso, lo que aporta a la obra un lirismo que
invadirá el final.
•
acto
1º, cuadro 1º - la nana del caballo negro (mujer y suegra) y
presagio
•
acto
2º, cuadro 1º - el cantar de la boda (varios)
•
acto
2º, cuadro 2º - canción de la rueda (criada) => preparación
del convite de la boda
•
acto
3º, cuadro 1º - coro de leñadores => presagio de que algo
funesto va a suceder
•
acto
3º, cuadro 2º - canción de la muchachas => interrogación de la
madeja
En
relación a la estructura interna de la acción podemos distinguir
dos macrosecuencias: la boda y la huida
.
Cada
una de estas macrosecuencias consta de un
planteamiento, un nudo y un desenlace que podemos
esquematizar de la siguiente manera:
Macrosecuencia
1 – LA BODA
-
planteamiento: reparativos de la boda
-
nudo: canciones de boda + ceremonia
-
desenlace: frustración de la boda
Macrosecuencia
2 – LA HUIDA
-
planteamiento: recuperación del pasado de la Novia y de Leonardo
-
nudo: huida en sí
-
desenlace: represión de los amantes-muerte de Leonardo-muerte del
Novio y viudedad
ANALISIS
DE LOS PERSONAJES
En
general los personajes de la obra, salvo Leonardo, carecen de un
nombre propio, sólo se alude a ellos mediante nombres genéricos (la
Madre, el Padre, el Novio, la Novia); esto es así porque Lorca no
pretende que se vean como seres individualizados, sino como símbolos
de las pasiones amorosas más instintivas y primarias o sean reflejo
de las formas de vida y costumbres del mundo rural.
Lorca
distingue a Leonardo dándole un nombre más concreto para así
diferenciarlo de los otros personajes. No es de extrañar, pues se
trata de un personaje que cuenta con mayor importancia dentro de la
acción, es uno de los personajes más relevantes, ya que es el
desencadenante de los hechos.
Personajes
principales
LA
MADRE.-
Su
carácter de personaje fundamental se vislumbra en el hecho de que
aparezca al principio y al
final
de la obra. Este personaje es el mejor retratado y destaca por su
fuerza emocional, su apego a la tierra, de la que viene a ser un
símbolo, y a los suyos. Desde su primera aparición sus diálogos
están plagados de alusiones a los cuchillos, las navajas y la
muerte. La explicación de la obsesión que se revela con estas
alusiones está fuera del tiempo escénico, pues pronto sabemos que
tanto su marido como su hijo murieron, y por eso está obsesionada
con evitar que su otro hijo, el Novio, sufra ningún daño, hasta el
punto de llegar a negarse a darle la navaja con la que trabaja en la
viña con esta intención (véase Acto I-Cuadro I). Las alusiones a
las armas no son sólo indicios
de
la obsesión de la Madre, de sus preocupaciones y temores, sino
también símbolos de fatalidad y sirven a modo de augurios con los
que el dramaturgo nos va preparando para el desenlace trágico de la
obra.
La
ideología de la Madre se manifiesta en consonancia con el papel que
desempeña: muestra los valores de la mujer paciente y resignada ante
el destino. Destaca el carácter protector hacia su hijo. Infundirá
en su hijo la idea de la honra, que será el detonante final de las
muertes de los dos protagonistas masculinos. Concibe el amor en su
faceta reproductora, asociada a la tierra. Las actitudes de la Madre
al hablar sobre la boda, con comentarios como“una mujer con
un hombre, y ya está” (Acto I-Cuadro I) muestran
claramente una mentalidad sumamente
conservadora,
que contrastará con las actitudes alegres de los parientes de esta
familia que vienen del mar. El mundo masculino es violento y ella
hubiese deseado que su hijo fuera mujer, para así preservarlo del
peligro que entraña desenvolverse en ese mundo.
Cuando
tiene lugar la conversación con una vecina al comienzo de la obra se
entera de que el anterior novio de la muchacha con la que se quiere
casar su hijo es Leonardo “el de los Félix” y se llena de rabia.
Aquí adivinamos ese conflicto anterior al tiempo escénico que
enfrentó a ambas familias y que acarrea el rencor de la Madre, que
mantiene constante junto con la llama del odio hacia los Félix.
Véase
ese odio en este brevísimo fragmento de texto:
VECINA:
Mujer,
¿qué culpa tiene Leonardo de nada? Tenía ocho años cuando las
cuestiones.
MADRE:
Es
verdad... Pero oigo eso de Félix y es lo mismo Félix que llenarse
de cieno la boca y tengo que escupir, tengo queescupir por no matar.
Todo
este odio que muestra se convierte poco a poco, al llegar el
desenlace, en la resignación de la tragedia.
Canta
con la Novia el último poema y resalta la soledad de la mujer en el
mundo rural y trágico. Una soledad de muerte desciende sobre estos
tres personajes femeninos, la Madre, la Novia y la mujer de Leonardo,
para el resto de su vida; al acabar la obra la Madre a perdido a su
hijo, el Novio; la Novia ha perdido a Leonardo y a su esposo, el
Novio; la mujer de Leonardo ha perdido también a su marido.
En
general puede decirse que en el teatro de Lorca el personaje femenino
es el hilo conductor de la trama y de los conflictos.
EL
NOVIO.-
Es
una de las víctimas mortales de la tragedia. Es el único hijo que
le queda a la Madre, su única
compañía.
En todo momento adopta una posición dependiente de
la Madre, como se percibe en el diálogo inicial, que
refleja la relación entre ambos, con dominio de la madre en el
futuro de su hijo. El Novio, sabedor del destino funesto de
su familia, mantiene la esperanza de un futuro feliz,
incluso ante los elementos premonitorios negativos que se van
sucediendo. Hay que destacar de él que procede de una familia con un
nivel socioeconómico más elevado que el de las demás familias. En
lo relativo a cómo aparece configurado, ya en el
Cuadro
II se alude a su destino de macho y a su
vinculación mítica con la tierra. Su carácter
tranquilo y trabajador se ve, sobre todo, a través de las palabras
de la Madre en el diálogo que mantiene ésta con el Padre.
El
Novio recibe con aprecio la preocupación de su madre, pero tal y
como se desprende del primer diálogo con ella, parece cansado
de esta preocupación e intenta restarle importancia.
Lo que sí perece llenarle de preocupaciones es el hecho de
que lleva ya tres años de noviazgo con la Novia y quiere que la boda
se celebre cuando antes. Por eso insiste a su madre para que le
acompañe y pida su mano. Cuando la apremia con pedir la mano de
la joven se muestra desconocedor de las relaciones
que esta última mantuvo con Leonardo en el pasado.
Este anhelo de casarse cuanto antes demuestra el gran amor que siente
por la Novia.
Al
final se va a ver obligado a limpiar la honra personal y familiar.
Tras la huida de la Novia y Leonardo, el Novio se enfurece y clama
por el cuchillo, la navaja, que tanto miedo ha dado a su madre, y con
el que piensa poner fin a la vida de su rival amoroso, el que le ha
ofendido llevándose a su mujer, a su ya recién estrenada en la
categoría de esposa. Esta ansiedad de venganza se puede interpretar
como un signo premonitorio de la tragedia que se avecina, con su
cosecha de muertes.
LA
NOVIA.-
Al
principio es presentada de forma indirecta, pues es el espectador
el que debe interpretar la
lucha
interior que está viviendo. La muchacha con la que se va a casar el
Novio ya desde su primera aparición parece referirse a la boda con
desdén, como si fuera algo que va a hacer por obligación y no
porque lo desee realmente. En el inicio, aunque con dudas y muestras
de apatía, es sumisa y acepta la boda. Su criada le reprocha en el
Cuadro Tercero del Primer Acto que “parece que no se quiere casar”.
De hecho, parece ser la criada la que de verdad está emocionada con
la boda de su señora y no la propia señora, como se deduce del
diálogo que ambas mantienen al comienzo del Segundo Acto mientras la
peina para la boda:
CRIADA:
¡Pero
niña! ¿Una boda, qué es? (...) ¿Son los dulces? ¿Son los ramos
de flores? No. Una boda es una cama relumbrante y un hombre y una
mujer.
NOVIA:
No
se debe decir.
CRIADA:
Eso
es otra cosa. ¡Pero es bien alegre!
NOVIA:
O
bien amargo.
Vemos
en ese fragmento de texto que la criada expresa su idea de la boda
desde una visión pasional, carnal y alegre, mientras que la novia
piensa en la gran decisión trágica que va a tomar.
El
deseo amoroso de la Novia hacia Leonardo le obliga a seguirle, aún a
sabiendas de que chocará con las normas sociales. La
aparición de Leonardo en casa de la Novia la misma
mañana de la boda, antes que cualquiera de los demás
invitados, parece estar a punto de desbaratar la ceremonia, pero en
ese momento ella demuestra toda su intención de continuar con la
boda tal y como debía ser. Sin embargo, la atracción entre los dos
personajes, que ella misma reconoce como irremediable, que le
“arrastra”, le llevará a abandonar al Novio, con quien está ya
casada, para huir con Leonardo.
Tras
la muerte de Leonardo y del Novio, aparecerá finalmente ante la
Madre, implorándole que la mate, que acabe con su vida, como pago
del dolor que se ha sembrado tras su huida. Acepta su destino con
firmeza, como evidencia la última escena de la obra. Vemos que en
ese momento final, pese a su pasión incontrolada defiende su pureza
ante la Madre del novio, como se puede ver en este fragmento:
NOVIA
(a la Vecina).
Déjala;
he venido para que me mate y que me lleven con ellos. (A la Madre.)
Pero no con las manos; con garfios de alambre, con una hoz, y con
fuerza, hasta que se rompa en mis huesos. ¡Déjala! Que quieuiero
que sepa que yo soy limpia, que estaré loca, pero que
me
pueden enterrar sin que ningún hombre se haya mirado en la blancura
de mis pechos.
Este
empeño por demostrar su inocencia resulta desgarrador. En su intento
de exculparse ante ella llega a decirle a la Madre del Novio:
NOVIA:
¡Porque
yo me fui con el otro, me fui! (Con angustia.) Tú también te
hubieras ido. Yo era una mujer quemada, llena de llagas por dentro y
por fuera, y tu hijo era un poquito de agua de la que yo esperaba
hijos, tierra, salud; pero el otro era un río oscuro, lleno de
ramas, que acercaba a mí el rumor de sus juncos y su cantar entre
dientes. (...) Yo no quería, ¡óyelo bien!, yo no quería.
LEONARDO.-
Para
muchos críticos y analistas del texto, es el personaje clave de la
obra. Lorca lo desarrolla
más
plenamente y es un personaje menos estereotipado, como percibimos en
el hecho significativo de que se le asigne un nombre propio
individualizado. Sabemos que fue novio de la Novia antes del tiempo
escénico, pero sus relaciones no acabaron en matrimonio. Está ahora
casado con una prima de la Novia a la que en la obra se nombra como
Mujer y es padre de un hijo. Representa el símbolo de la pasión
desenfrenada e irremediable. Se siente indefenso ante las fuerzas de
la pasión y su voluntad se doblega ante el instinto, ese instinto
básico que está por encima de la razón en este personaje,
sojuzgándolo. Todo su esfuerzo para dominar su instinto, incluso su
propio estado de casado o la existencia de un hijo
de ese matrimonio, resulta inútil. Su actuación es
el desencadenante de la tragedia. Al ser el más desenfrenado y
salvaje, es precisamente esa libertad lo que más atrae a la Novia.
Desde el principio se relaciona con el símbolo del caballo (símbolo
polivalente o plurisignificativo, ya que significa libertad y muerte
simultáneamente).
Ya
en su primera aparición se hace alusión a las carreras que le da al
caballo, al que deja exhausto. Gracias a esas alusiones adivinamos
que, pese a su situación de casado, sigue rondando la casa de la
Novia. Desde entonces vemos que Leonardo se va a representar a través
del caballo, cuyo sonido pone nerviosas a la Criada y a la Novia en
el final del Primer acto. No será ésta ni la primera ni la última
vez que Lorca asocie el caballo al varón viril, pues en La casa de
Bernarda Alba la figura de Pepe el Romano también le está asociada,
hasta el punto de ser indisociables y recordar la figura mitológica
del centauro, mitad hombre y mitad caballo.
En
el Segundo acto las apariciones espontáneas de Leonardo parecen
presagiar la tragedia y encender la pasión de la Novia. Vemos que
Leonardo se apresura para llegar antes que el resto de los invitados
a casa de la Novia y así poder verse a solas con ella. Pero no
muestra intención alguna de pedirle que no se case, pues le dice “Yo
ya me casé, ahora cásate tú”, sino que quiere hablar con ella
por última vez antes de que pase a pertenecer a otro hombre.
Durante
los momentos previos e inmediatamente posteriores a la boda vemos a
Leonardo entrar y salir de escena en repetidas ocasiones: está
nervioso, seguramente ante la visión de la Novia casada con otro;
será esta actitud la que le lleve a adelantar la decisión de huir
juntos, materializada al final de ese mismo acto.
En
el Tercer acto se muestra ya con claridad la fuerza desbordante de la
pasión en el diálogo poético que tiene la Novia con Leonardo.
Aunque se sepa perseguido, intenta convencer a la Novia de que huir
juntos, escapar para poder ser felices, es la mejor opción. Sin
embargo, su destino parece ser irremediable: morir a manos del esposo
de la joven y ser, a su vez, el asesino de éste.
PERSONAJES
SECUNDARIOS
Comentaremos
sólo aquellos personajes que, aunque no tengan un
papel decisivo dentro de la trama, sus diálogos resulten
trascendentes para llegar al desenlace.
EL
PADRE.-
Desde
el primer momento se ve como el Padre de la Novia busca con la boda
la ampliación de las
tierras
y se refiere a la procreación de varones para seguir luchando contra
la tierra. Aparece, pues, caracterizado como el campesino dominado
por el afán de posesión de la tierra... Con gusto defiende lo que
tiene: una tierra de secano, casi yerma, seca y dura, que ha
conseguido sacar adelante con mucho esfuerzo. Precisamente por esta
tierra se lamenta, en su conversación con la Madre (Acto I, Cuadro
III), de no haber tenido un hijo varón que la trabajase. Al mismo
tiempo y con motivo de la próxima boda se alegra de poder contar
pronto con un hombre para llevar a cabo esta tarea, el Novio.
En
el Acto II, el diálogo entre la Madre y el Padre aborda otro matiz
importante, como es el de la procreación y los hijos, dotando al
hecho en sí de un valor mítico relacionado con la tierra. Ambos
esperan nietos, pero cada uno por una razón distinta. Para la Madre
la nieta es la seguridad y la compañía, mientras que el Padre ve
en ellos el recurso para hacer frente a los duros trabajos del campo
y mantener los frutos de la tierra.
Tambièn
defiende la honra de su hija, su valía como esposa, mientras habla
sobre la conveniencia de la boda con la Madre en la pedida de mano,
con lo que distinguimos el gran afecto que siente hacia ella:
MADRE:
Mi
hijo es hermoso. No ha conocido mujer. La honra más limpia que una
sábana puesta al sol.
PADRE:
Qué
te digo de la mía. Hace las migas a las tres, cuando el lucero. No
habla nunca; suave como la lana, borda toda clase de bordados y puede
cortar una maroma con los dientes.
Es
este cariño y defensa de su honra el que lleva al Padre a negar que
su hija se haya marchado con Leonardo cuando todo el mundo parece
convencido de ello, aunque acaba rindiéndose ante la evidencia.
LA
MUJER.-
Prima
de la Novia, esposa de Leonardo y madre de su hijo, sospecha desde un
primer momento
que
Leonardo siente algo por su prima, y que el caballo llega exhausto
debido a que marcha con el “hasta el límite de los secanos”
(donde vive la Novia). Tal vez por ello sea la primera que sospecha
de su huida tras la boda, y sea quien compruebe, para su
dolor, que estaba en lo cierto y se han marchado
con el caballo. Es, además, la primera que alarma a los demás
invitados sobre sus sospechas.
Destaca
en este personaje su intervención en la nana que canta junto con su
suegra en el Primer acto, claro símbolo de fatalidad y oscuro
anticipo del final de la obra.
LOS
LEÑADORES.-
Constituyen
un grupo coral de personajes que ofrecen una de las mayores
similitudes
con
la tragedia griega, pues como coro nos informan sobre la situación
que viven los personajes, comentan los acontencimientos, explican al
espectador ciertos sucesos. Tienen además un fuerte efecto poético
sobre la obra.
Por
los diálogos entre los leñadores sabemos que los enamorados están
en el bosque, y que sus perseguidores están a punto de alcanzarlos y
de llevar a cabo su venganza. En esos mismos diálogos, al igual que
un coro de tragedia clásica, claman al destino que sea clemente con
el protagonista, aun a sabiendas de que sus súplicas no serán
escuchadas. Los leñadores colaboran en la liturgia del destino.
LA
LUNA Y LA MENDIGA.-
La
Luna interviene en el último acto, cuando se desarrolla la “caza”
de las dos“liebrecillas”, como guía que descubre a los
enamorados y quiere iluminar todos los escondites; aparece como
un
leñador joven con la cara blanca; es un leñador que va a talar
vidas jóvenes, de ahí su caracterización como talador; con su luz
delatora en medio del bosque, dialoga con la Mendiga, mostrando su
intención de delatar la situación de la pareja de fugitivos.
Aparece, por consiguiente, personificada como cómplice de la muerte,
que a su vez guía a los perseguidores en forma de mendiga.
Por
su parte, la Mendiga es una clara representación de la muerte, es la
muerte en sí misma, y la Luna su confidente. La mendiga
aparece como una mendiga descalza y totalmente cubierta
por tenues paños verdeoscuros. Sabe donde están escondidos
Leonardo y la Novia, y oliendo una posible limosna, los vende ante el
Novio y sus acompañantes, a pesar de saber cuáles son sus
intenciones. El diálogo con el Novio en el acto III es una clara
premonición de la muerte. Al final acompaña a los cadáveres de los
hombres muertos.
Sobre
este personaje se puede destacar además que, aunque constaba en el
texto, no figuraba en el reparto para su representación. No
obstante, en el estreno de Madrid y de Buenos Aires sí constaba
entre el reparto.
LA
CRIADA.-
La
Criada de la Novia, que es en el fondo una especie de confidente,
pues con ella la Novia es
capaz
casi de expresar la amargura que le supone su
inminente matrimonio, es la primera que se muestra
consciente del grave problema que supone para la boda la presencia de
Leonardo. Cuando éste aparece en casa de la Novia la mañana de
la boda, la Criada le insta a que se marche, pero cuando él y la
Novia mantienen el diálogo en el que queda patente su mutua
atracción, es la Criada la que, tratando de poner orden y apaciguar
la situación, va a intentar por todos los medios hacer que ambos se
separen, que dejen de hablar, sobre todo ante el inminente peligro de
llegada de los convidados a la ceremonia.
Es,
por tanto, un personaje apaciguador, que puede compararse, aunque de
forma indirecta, con el carácter de otro personaje de Lorca, la
Poncia de La Casa de Bernarda Alba, que intenta, también, evitar un
final doloroso.
TEMAS
DE LA OBRA.- La obra encierra un complejo mundo temático, que va
desde la presencia de la tierra y el mundo rural hasta el significado
trascendente y simbólico del amor y la muerte. El tema principal de
Bodas de sangre es la dicotomía entre el amor y la muerte.
Entre estos dos polos encontramos también el tema de la
venganza y la honra, el destino, la vinculación del hombre con la
tierra, el papel de la mujer desde una visión social y mítica.
Lorca quiere salvar el instinto elemental del convencionalismo social
y la tradición, aún sabiendo que el intento está abocado
al fracaso, ya que esta fuerza instintiva que tiende
a la unión natural/irracional/básica, contiene en sí misma
los principios de su destrucción: el despecho, la agresividad.
Para
algunos críticos el tema central de la obra son
los celos, pero estos celos aparecen ligados
indisolublemente a la honra. Que Leonardo y la Novia hayan huido
después de que la boda se celebre supone una mancha en la honra de
sus familias. La familia de la Novia, en primer lugar, pues ella es
ya mujer casada que se ha escapado para entregarse en cuerpo y alma a
otro hombre, pasando a ser una doncella sin honra, como ella misma se
define en el Tercer acto. Así, ella es la causante de su deshonra.
Por
otra parte, la familia del Novio también se ve deshonrada, con lo
que es necesario que corra la sangre del fugutivo que ha robado a la
Novia. Por eso se ven obligados a marchar tras ellos y así poder
limpiar su honor, su nombre familiar, además de aprovechar
para llevar a cabo una venganza familiar pendiente
por cuestionespasadas.
Por
último, la mujer de Leonardo también quedará deshonrada con la
partida de su esposo con otra mujer. Además su situación se verá
empeorada cuando, al final de la obra, quede viuda después de un
acto que para los personajes resulta vil.
Estrechamente
ligado al tema de los celos y de la honra está el del
amor imposible, representado por la atracción irremediable
entre Leonardo y la Novia. Aunque ambos huyan e
intenten escapar de su difícil y dolorosa situación para
poder empezar una vida juntos, amándose en libertad, resulta
inevitable que no puedan disfrutar de un final feliz. Se trata de una
relación irrealizable.
El
tema de la tierra y el mundo rural aparece desde una doble visión.
Por un lado como sentido de la propiedad y, por otro, como fuerza y
origen vital de los personajes del que no pueden desprenderse y que
desata pasiones.
El
diálogo del Padre con la Madre refleja el interés de aquel por
conseguir la boda de su hija en un afán por ampliar su propiedad
y tener más recursos con que trabajar la tierra
(lo que se percibe cuando habla de los
nietos).
Y el ejemplo más claro de que la fuerza de la tierra es
incontrolable para el destino de los personajes se da en el último
acto, tanto en las palabras de Leonardo y la Novia como en las de la
Madre después. En ellas se potencia el papel de fuerza instintiva de
la tierra, que se convierte así en el impulso primario imposible de
evitar.
En
relación con la tensión entre el amor y la muerte, es en el tercer
acto donde se muestra especialmente, en los personajes de los
leñadores, la mendiga y la luna, cargados de simbología, con
elementos naturales como el fuego, las flores, las ramas, los grillos
de la noche. La tragedia convierte el amor en muerte cuando la
sociedad considera culpables a los que rompen las
convenciones sociales. Lorca, al incidir en este
aspecto atávico del amor, resalta la superioridad de la pasión
primaria por encima de las normas. Para la sociedad la muerte es el
justo
castigo que merecen los amantes. El hecho de que la Novia no muera
proporciona a la obra una dimensión más social, más cercana a lo
real, e introduce el tema de la venganza y de la honra.
El
romance dialogado entre Leonardo y la novia resume la esencia de toda
la obra y ofrece las claves de esa dimensión mítica del amor
y de la muerte. Todo el poema muestra esa lucha
racional interna por evitar la atracción erótica y seguir
las normas sociales para evitar la muerte.
Otro
aspecto temático que incide en el desarrollo de la obra son las
diferencias económicas y sociales entre los personajes. El poderoso
valor de la riqueza y el dinero, que impide el matrimonio entre la
Novia y Leonardo, resulta aquí crucial. Leonardo era pobre y no
tenía posibilidades de llevar adelante un matrimonio con la Novia.
El
tema de la venganza está también presente a lo largo de la obra y
asoma y se esconde una y otra vez. La Madre, desde el primer acto, se
identifica con la tierra y esconde el deseo de la venganza por la
muerte de su marido y su hijo en lo más profundo de su alma. Hay en
la obra ejemplos que muestran el deseo de venganza tanto de la Madre
como del Novio tras la huida de la Novia. En el primer acto, hablando
a su hijo la Madre ya expresa su malestar: “No callaría nunca.
Pasan los meses y la desesperación me pica en los ojos y hasta en
las puntas del pelo.” También, hablando con la vecina, afirma:
“Pero oigo eso de Félix y es lo mismo (Entre dientes)
Félix
que llenárseme la boca de cieno(Escupe.), y tengo que escupir, tengo
que escupir por no matar.”. Cuando habla al Padre, tras descubrir
la huida de la Novia, aparece ese rencor y ese deseo de venganza: “Ha
llegado otra vez la hora de la sangre”. Y es en la
captura de los amantes cuando el Novio, en diálogo con el
mozo y la mendiga, expresa también su deseo de venganza: “Es el
brazo de mi hermano y el de mi padre y el de toda mi familia que está
muerta. Y tiene tanto poderío, que puede arrancar este árbol de
raíz si quiere. Y vamos pronto, que siento los dientes de
todos los míos clavados aquí de una manera que se
me hace imposible respirartranquilo.”
El
tema del honor o de la honra es un tema de gran tradición española,
heredado del teatro barroco español del siglo de oro, de los dramas
de Lope de Vega y de Calderón de la Barca. Es ese carácter español
el que incita a la Madre a lanzar al hijo hacia la muerte, en pos del
cumplimiento de la venganza de esa afrenta a la honra de la familia.
Por
otra parte, el tema del destino va unido al de
la inevitabilidad del instinto erótico, a la fuerza
de los impulsos primarios que arrastran a los
personajes principales. La fatalidad es entendida aquí
como un determinismo biológico, la fuerza irresistible
de la pasión y del amor prohibido. Son fuerzas
telúricas. La sexualidad va vinculada al impulso de fertilidad de
la madre-tierra.
La
evocación de los ritos tribales en la celebración de la boda en
aspectos como son las ceremonias, bailes, insinuaciones, la
plasticidad y el bullicio de la fiesta nupcial
SÍMBOLOS.-
García
Lorca utiliza en esta obra una abundante simbología
mítica. La gran riqueza simbólica de la obra se
percibe en el hecho de que, más allá de la a todas luces evidente
abundancia de elementos simbólicos, se da una mezcla del plano real
y del plano onírico o sobrenatural, mezcla que se detecta en el
primer cuadro del acto III.
El
calificativo o adjetivo que define al símbolo permite conocer y
concretar su valor en un determinado contexto;
por
ejemplo: flores “rotas” es un símbolo de muerte, como también
flores “secas”; flor “del oro” es un símbolo de
prosperidad y flores “de la boda” indican
alegría. Los símbolos en la obra aparecen tanto en
forma de personajes (por ejemplo, la Luna), como en objetos o
decorados. Algunos de estos símbolos se cargan de un contenido
premonitorio, pues anticipan el trágico final.
A)
Símbolos de vida y muerte/ fatalidad
La
Luna.- Es el principio femenino frente al sol, receptora de la vida,
símbolo de la fecundación universal, como
la
tierra; es un símbolo recurrente en la obra lorquiana (recordemos el
Romance de la luna, luna), pero aquí, en Bodas de sangre,
simboliza el acoso de la existencia, la destrucción, la
violencia y el correr de la sangre que implica; rige el
nacimiento y la muerte.
El
cuchillo/navaja/puñal.- Es un instrumento de sacrificio en las
religiones arcaicas; esconde siempre un sentido ceremonial de la
muerte, porque implica un derramamiento de sangre; la
hoja corta representa el instinto impulsivo del hombre. Va
asociado a la violencia masculina y a la muerte. En la obra la navaja
sirve a la Madre para relacionar el pasado trágico de la muerte de
su hijo y su marido con el valor de premonición del destino que
aguarda a su otro hijo, que la Madre presiente.
La
corona de azahar.- Tiene forma circular y representa la perfección y
la participación de la Naturaleza celeste, une al coronado con lo
divino. Las coronas se llevan en momentos importantes (matrimonio,
muerte, etc.). En Bodas de sangre la corona representa la clausura,
el encierro, pues le cierra a la Novia las vías de atracción y se
convierte en una corona de espinas, de sacrificio.
El
río/ el agua.- Representan el fluir de la vida, la purificación (el
bautismo), la regeneración. En relación con Leonardo se convierten
en el símbolo de la energía inconsciente (el semen). En la criada
simbolizan la pasión. El agua que alimenta los campos significa
fecundidad, pero el agua con ramas es amor oscuro, agua prohibida.
El
bosque lunar.- Es un símbolo del inconsciente humano, del instinto
erótico. Es el espacio de la pasión. En los griegos los bosques
estaban consagrados a una divinidad. En Bodas de sangre el bosque
está consagrado a la luna.
La
cruz.- Representa el sacrificio y la pasión en sentido religioso (la
pasión de Cristo). Lleva asociados valores de religiosidad, pero
también se asocia a la muerte (pues aparece en las tumbas).
La
madeja.- Representa el ritual de la vida; la madeja
roja es un símbolo de muerte, asociada a la
sangre derramada. El viejo mito de las Parcas, diosas
del destino que hilan las vidas humanas, es
entrevisto en las
muchachas
del acto III entretenidas en devanar la madeja roja: simbólicamente
ellas devanan el destino de los dos rivales que se han matado el uno
al otro.
La
tierra.- Vinculada al simbolismo de la función maternal y de la
fecundidad, muestra el toma y da de la vida. La Madre del Novio está
identificada con la tierra.
La
sangre.- Es un símbolo del calor vital y corporal,
de la vida en su sentido más primario. Es el
vehículo mediante el cual se expresan la pasión y
el instinto. Cuando se trata de sangre derramada es
un símbolo de muerte y de sacrificio. La sangre es al hombre
como el agua a la tierra. El título de la obra representa un
anticipo
del
carácter trágico de la misma. Ahí ya en la palabra sangre queda
implícita la muerte ligada a la historia de laboda.
La
cadena/el nudo.- Representan atadura y dominación.
B)
Símbolos animales y vegetales. Las flores y los
elementos naturales adquieren un significado diferente
dependiendo de la escena.
El
caballo.- Representa la pasión erótica, la lujuria (libido fuera
de control) y es el símbolo de Leonardo, que aparece asociado a
dicho animal en diversos momentos de la obra. Hay simbolismo en ese
caballo que cruza vertiginoso y sediento, pues representa la pasión
desenfrenada del amante. También es un presagio de muerte,como se
destaca en la famosa nana del caballo negro que no quiso el agua.
La
serpiente.- Representa la maldad, el pecado, el engaño, la envidia,
la traición. En ella vemos reminiscencias de la serpiente bíblica,
el diablo.
El
toro.- Representa la fuerza del hombre, el vigor, el dominio. Es el
animal consagrado al dios griego Dioniso En algunos ritos (como vemos
en las corridas de toros) simboliza el sacrificio de muerte.
La
paloma.- Referida a la Novia es un símbolo de inocencia, bondad.
En
relación con los símbolos vegetales, hay que decir que de manera
general significan fuerza, virilidad, sencillez,honradez.
El
clavel.- Es la flor del matrimonio. En Bodas de sandre, va asociado
al marido de la Madre (“olía a clavel”).También significa la
vida y el amor maternal cuando va asociado al niño (“Duermete,
clavel”).
El
geranio.- Representa la erección del hombre, símbolo
de masculinidad (“dos hombres que eran dosgeranios”).
La
rosa.- Símbolo femenino por excelencia, representa la pasión, el
amor (símbolo sexual asociado a los genitales de la mujer, pues
igual que los pétalos ocultan el interior de la rosa así también
los labios mayores y menores ocultan el interior de la vagina).
Referido al niño representa el cariño.
El
jazmín.- Es la flor de la Virgen María.
La
dalia.- Representa la paz, la tranquilidad, la armonía, pero también
va asociada a la calma de los cementerios.
El
laurel.- Es el símbolo de la inmortalidad, la eternidad, pues
siempre está verde. Es también un símbolo de triunfo o de
victoria. Es el arbusto consagrado a Apolo y a sus virtudes
apolíneas, con el que se corona a los poetas. Es un símbolo heroico
que representa la victoria de la vida (“ramo verde”).
Flores
en general.- Son un símbolo de muerte, como se percibe en lo que le
dice el leñador a la luna: “No cubras de flores la boda”. Esto
es así por la costumbre de poner flores en las tumbas. También
otras expresiones se percibe un simbolismo análogo; por ejemplo, en
“flores secas”.
El
azahar.- Representa la pureza o virginidad. El azahar
de cera muestra el carácter innatural, artificial,
la virginidad eterna, ya que no se marchita. La Novia quedará como
una eterna virgen que no ha consumado el matrimonio, pues el Novio
muere antes de que sea posible la consumación. Se trasladan así las
características de la flor al matrimonio.
El
musgo.- Es un símbolo de muerte.
La
adelfa.- Planta venenosa que es también un símbolo de muerte.
c)
Símbolos de los colores. Los colores del día aparecen con motivo
del inicio festivo de la boda, mientras que la oscuridad de la noche
sirve para marcar el destino trágico de los amantes. La oscuridad
del penúltimo cuadro contribuye a destacar la expresividad dramática
y poética de la persecución y desenlace fatal de los huidos. Todo
en él (personajes alegóricos, desesperación de los amantes,
tensión en la acción) adquiere el sentido poético y trágico de la
muerte.
Amarillo.-
Representa la muerte (“se quedan dos hombres duros con los labios
amarillos”). El color amarillo es el inicio del mal presagio y de
la fatalidad que la madre expresa, que se va gestando y se desarrolla
a lo largo de toda la obra.
Rosa.-
Este color quiere expresar el ambiente femenino, familiar y de
felicidad aparente que parece existir en la casa del matrimonio de
Leonardo.
Verde.-
Representa no sólo la vegetación, sino la muerte amarga y la
fatalidad. Con el significado de muerte es usado por Lorca en otros
textos (aquel famoso romance: “Verde que te quiero verde...”).
Blanco.-
Es un símbolo de pureza, pero al final de la
obra adquiere connotaciones funerarias. En el último
cuadro aparece en el templo doméstico, el espacio de
la mujer, el lugar donde se celebra el sacrificio.
La luminosidad pura, el blanco absoluto del último cuadro, es un
recurso habitual del autor para quitar toda carga de culpabilidad
a sus personajes. Así Lorca parece indicarnos que el
destino está fijado y que sólo cabe la resignación
y el consuelo de los personajes femeninos.
EL
ESPACIO Y EL TIEMPO.-
En
lo relativo al espacio, hay que decir que la obra ofrece el
planteamiento en tres espacios distintos:
a)
Habitación de amarillo, en casa del Novio y su Madre.
b)
Habitación de rosa en la casa de Leonardo, su mujer (prima de la
novia) y su suegra.
c)
En el interior de la cueva donde viven la Novia y su Padre, al
atardecer.
El
nudo se desarrolla en dos espacios distintos:
a)
En el zaguán de la casa de la Novia con la criada y la visita por
sorpresa de Leonardo, y al clarear el día previo
a
la boda con las muchachas, la Madre, el Novio.
b)
En el exterior de la cueva de la Novia con la algarabía de la boda.
El
desenlace se desarrolla en dos escenarios: uno exterior (el bosque) y
uno interior (una habitación blanca).
a)
El bosque de noche sirve de escenario para ambientar la huida y caza
de los protagonistas fugitivos.
b)
La habitación interior sin adornos y blanca enmarca el lamento de
los personajes femeninos de la Novia y de la Madre del Novio.
En
cuanto al tiempo, la acción intercala el día y la noche. El
planteamiento sucede de día (antes del almuerzo encasa del Novio,
durante la mañana en la de Leonardo y al atardecer en la casa de la
Novia). El nudo alterna la noche y el día. El desenlace tiene lugar
durante la noche.
LA
LENGUA Y EL ESTILO.- Lorca utiliza un estilo muy personal que
transforma la naturaleza y hace que muchos elementos de la misma
aparezcan personificados y cargados de simbolismo. Las metáforas,
las imágenes y los símbolos son los recursos estilísticos más
empleados. La alternancia de prosa y verso es lógica en esta obra,
pues Lorca va a utilizar ahora el verso en los momentos cumbre de la
obra. Poco a poco el dramaturgo ha ido dejando a un lado la
utilización del verso modernista de sus primeras obras en su
dramaturgia. Ahora el uso del verso lo reserva sólo para los
instantes de mayor intensidad dramática. Su última obra, La casa de
Bernarda Alba,será sólo en prosa.
Entre
algunos rasgos estilísticos que podemos destacar figuran, por
ejemplo, el uso continuo y recurrente del futuro, el uso de fórmulas
métricas populares (versos octosílabos, rima asonante). En relación
con las situaciones dramáticas, los diálogos rápidos, las
exclamaciones, las frases coloquiales y el tono autoritario en
determinados momentos.
Los
diálogos son sobrios y lacónicos pero esconden un gran trabajo en
el lenguaje utilizado. El autor selecciona conscientemente los
vocablos, evitando el uso de dialectalismo y ruralismos, que le
restarían universalidad a su creación. Sí utiliza el habla
popular, especialmente en aquellos vocablos que están
significativamente cargados de connotaciones y rasgos
expresivos. La repetición y la metáfora le permiten
subrayar las obsesiones de algún personaje como la Madre. La
prosa lorquiana va a conjugar lirismo y contundencia o eficacia
expresiva. Se trata
de
un lenguaje conciso pero enérgico, como percibimos en la película
que sobre el argumento de la obra se creó en 1938, dirigida por
Eduard Guibourg y que tuvo como actriz a la famosa Margarita Xirgu,
amiga de Federico García Lorca y especializada en representar
papeles lorquianos (en esa película figura como la Madre). El
lenguaje poético de Lorca sorprende siempre por la originalidad y la
fuerza de las imágenes.
En
cuanto al uso del verso en la obra hay que decir que el adorno y la
armonía del ritmo quedan sometidos a la hondura del tema sin perder
ni el más mínimo atisbo de belleza. Destaca el tratamiento
sumamente poético que Lorca hace de los distintos pasajes
dramáticos.
Lorca
expone en esta obra su tesis de que cuando las fuerzas instintivas,
generadoras del amor, son sometidas a los códigos sociales, siempre
represores, la circunstancia trágica surge inexorablemente. La
sociedad impide que las pasiones humanas broten espontáneamente y,
su resultado final es la muerte. Y son los convencionalismos sociales
los que frustran la felicidad humana.
TEMAS
PRESENTES EN LA OBRA:
El
tema del destino, de la fatalidad. Una fatalidad
presentida desde el comienzo por la Madre.
Unido
a este tema iría el de la fuerza irresistible de la
pasión sexual y el amor prohibido. El destino y el determinismo
biológico-tan presentes, por otra parte, en las convicciones del
mundo campesino- atraviesan la obra como base medular de la trama.
-
El odio, un sentimiento plasmado en la madre.
-El
valor del la riqueza y el dinero viene marcado por las
diferencias económicas entre la Novia y Leonardo, diferencias que
impiden el matrimonio entre ambos. Vemos así que los matrimonios
estaban concebidos como un acuerdo, un trato social entre familias
donde el amor era el último motivo para la unión.
El
honor,tan presente en el
teatro barroco, tan propio del carácter español, incita a la Madre
a lanzar al hijo hacia la muerte.
La
sexualidad como impulso de fertilidad, como medio para la
continuidad de la descendencia. La Madre se siente identificada con
la Tierra. Su misión es facilitar la prolongación de la especie a
través del hijo. Sexualidad y fecundidad se unen y se relacionan con
la siembra y la roturación de las tierras.
Símbolos:
Los
colores:
Amarillo:plenitud
de la cosecha y maduración de las obsesiones de la Madre. La muerte
también tiene que ver con el color de las paredes amarillas.
Rosa:se
relaciona con la vida que nace. Aparece en la casa de Leonardo.
Madeja
roja:sangre de los jóvenes que acaban de morir. Las muchachas
del
acto III devanan el destino de los dos rivales.(Mito de las Parcas,
diosas del destino que hilan las vidas humanas.)
Azul:color
que adquiere el bosque cuando la muerte inv ade la noche de los
amantes.
Blanco:se
relaciona con lo funerario y con la virginidad
El
cuchillo: simboliza la muerte
El
caballo y el jinete: pasión desbordada
El
agua muchas veces indica muerte.
ACTO
I
las
intervenciones de los personajes nos sitúan pronto en el
ámbito rural. Busca las referencias al mundo rural que aparecen en
el acto primero.
Escena
1
1.
¿Dónde trabaja el Novio? ¿Qué necesita para trabajar allí?
¿Qué hace en su trabajo?
2.
¿Con quién vive el Novio? ¿Cómo es su relación con esa persona?
¿Cómo describes a ella?
3.
¿Cuál es la preocupación la madre del Novio?
4.
¿Qué sabes de la historia de la familia del Novio y su padre?
¿Cómo murieron su padre y sus hermanos?
5.
¿Qué van a hacer el Novio y su madre el domingo?
6.
¿De qué hablan la madre y su vecina?
Escena
2
1.
Al principio de la segunda escena, la Suegra y la Mujer cantan una
nana al niño. ¿Qué impresión producen las imágenes de la nana?
¿De qué modo es una premonición de una tragedia que pronto va a
suceder? ¿Qué versos indican tristeza, agresión y violencia?
Dentro del contexto de la obra, ¿qué significado tendría el
caballo que no quiere beber?
2.
¿Qué se dice de Leonardo en el pueblo? ¿A dónde había ido
Leonardo?
3.
¿Cómo nota la Suegra que está el caballo?
4.
¿Cuándo será la boda de la prima de la Mujer? ¿Cómo reacciona
Leonardo cuando se entera de esta noticia?
5.
¿Por qué llora la Mujer?
6.
¿Qué noticias trae la Muchacha? ¿Cómo reacciona Leonardo con
estas noticias?
7.
¿Cómo cantan la Mujer y la Suegra después de salir Leonardo?
8.
¿Qué puedes decir de la personalidad de Leonardo? ¿Parece un
hombre feliz?
Escena
3
1.
Describe la personalidad del Padre.
2.
Describe las tierras del Padre. ¿Cómo son? ¿Dónde están?
3.
¿Cómo es la Novia?
4.
Cuando salen todos, ¿cómo reacciona la Novia? ¿Tiene ganas de ver
los regalos? ¿Por qué?
5.
¿Qué escuchó la criada la noche anterior? ¿Quién estuvo en casa
esa noche? ¿A qué hora?
6.
¿Qué dice la Criada a la Novia al final del cuadro? ¿Cómo
reacciona la Novia a eso?
7.
En ese cuadro, la tierra es una metáfora de la mujer. La tierra
representa el cuerpo femenino y el agricultor, o el hombre que
trabaja la tierra, representa su esposo. El Padre le dice al Novio:
“Porque no es Buena la tierra, pero con brazos se la hace Buena, y
como no pasa gente no te roban los frutos y puedes dormir tranquilo”.
¿Al cuál personaje femenino aluden estas palabras y qué quieren
decir?
8.
¿Es importante el tema de la virginidad para el Padre y la Madre?
Menciona por lo menos un ejemplo del texto que apoye tu respuesta.
ACTO
II
Escena
1
1.
¿Cuándo y dónde ocurre este cuadro? ¿Cómo está vestida la
Novia?
2.
Según la Criada, ¿qué es una boda/un matrimonio? ¿Está de
acuerdo la Novia con eso?
3.
¿Quién es el primer convidado/invitado que llega?
4.
¿Cómo esta vestida la Novia cuando llega este invitado? ¿Cómo
reacciona la Criada y por qué?
5.
¿Por qué habla Leonardo del azahar? ¿Quién debe dárselo a la
Novia?
6.
En una conversación con la Novia, Leonardo dice indirectamente la
razón que les impide estar juntos: “dos bueyes y una mala choza
son casi nada.” ¿Qué significa esto? ¿Por qué se separaron
Leonardo y la Novia?
7.
¿En qué ha pensado Leonardo después de su casamiento?
8.
Según la Novia, ¿por qué se casa?
9.
¿Cómo reacciona la Criada durante la conversación de Leonardo y la
Novia?
10.
¿Cómo reacciona la Madre cuando ve a Leonardo y su Mujer?
11.
¿De qué hablan Leonardo y su Mujer? ¿Qué le pasa a ella?
Escena
2
1.
Al principio del cuadro, la criada canta una canción. ¿Cuáles son
unas imágenes que representan una premonición negativa de lo que va
a pasar?
2.
¿Quién llega primero de la boda? ¿Cómo llega?
3.
El Padre y la Madre quieren tener nietos por razones diferentes.
¿Cuáles son las razones del Padre? ¿Cuáles son las de la Madre?
4.
¿Cómo está la Novia después de la boda? ¿Y el Novio?
5.
¿Cómo describe la Madre a su marido?
6.
¿Por qué sale la Novia?
7.
¿Cómo describe la Mujer a su marido?
8.
¿Qué les ha preparado la Criada a los Novios? ¿Por qué?
9.
¿Por qué las Muchachas quieren los alfileres? ¿Cómo reacciona la
Novia?
10.
¿Cómo reacciona la Novia a las caricias del Novio?
11.
¿Por qué los interrumpe la Mujer?
12.
¿Cómo se siente la Novia? ¿Qué quiere hacer?
13.
La Madre dice que el día de las bodas es “la roturación de
tierras, la plantación de árboles nuevos.” ¿Qué significa eso?
14.
¿Qué consejos le da la Madre al Novio?
15.
¿Quiénes han huido? ¿Cómo? ¿Cómo reaccionan los demás?
ACTO
III
Escena
1
1.
¿Dónde tiene lugar la escena? ¿Cómo imaginas el escenario?
2.
¿De quién habla el Novio cuando dice que sólo hay un caballo en el
mundo? ¿Por qué dice eso?
3.
¿Qué significado tiene la descripción que hace el Novio de su
brazo?
4.
¿Cómo es la Mendiga? ¿Cómo la describe las acotaciones? ¿Qué
idea representa?
5.
¿Qué discuten Leonardo y la Novia?
6.
¿Quién bajó las escaleras primero y puso las bridas al caballo?
¿Por qué es importante eso?
7.
Según Leonardo, ¿quién tiene la culpa?
8.
¿Qué quiere expresar la Novia cuando dice, “No quiero contigo
cama ni cena, y no hay minuto del día que estar contigo no quiera”?
9.
¿Cuáles son las últimas palabras de Leonardo y la Novia? ¿Qué
se oye después?
Escena
2
1.
¿Por qué dice la Suegra que la Mujer debe ponerse un velo?
2.
La Novia dice: “…yo soy limpia…me pueden enterrar sin que
ningún hombre se haya mirado en la blancura de mis pechos.” ¿Qué
idea expresan estas palabras?
3.
La Novia intenta justificarse ante la Madre y trata de explicar por
qué se fue con Leonardo. Explica el contraste que hace ella entre
Leonardo y el Novio. Después de leer este párrafo en la obra,
también explica ¿qué significó Leonardo para la Novia? ¿Qué
significó el Novio para ella?
4.
Bodas de Sangre empieza en la casa de la Madre con ésta
preocupándose por las navajas. Termina otra vez en casa de la Madre
mientras habla de los cuchillos. ¿Qué piensas de esta estructura de
la obra? ¿Qué simboliza para ti?
Las
acotaciones de la obra nos sitúan casi siempre en
espacios cerrados que potencian el sentido agobiante y
angustioso de la obra. No son acotaciones realistas, sino que
adquieren un significado simbólico aunque se relacionan
directamente con los espacios reales
de
los lugares en los que tuvo lugar el suceso Estos espacios se
caracterizan por unos colores, que también tienen un significado
especial en función del sentido. ¿Qué simbolismo podemos
dar
a los colores amarillo y rosa de los dos primeros cuadros?
Aunque
en las acotaciones no hay ninguna referencia a espacios o lugares,las
intervenciones de los personajes nos sitúan pronto en el ámbito
rural. Busca las referencias al mundo rural que aparecen en el acto
primero
Lorca
ha conformado una obra sin tiempo fijado como si
quisiera dar una visión universal sin coordenadas temporales y
manteniendo su vigencia por encima del suceso en sí. No obstante,
hay referencias a las partes del día en que se desarrolla cada acto
de la obra. ¿Cuáles son?
Toda
la obra tiene lugar durante el verano y Lorca incrementa el valor
trágico de la obra resaltando constantemente el calor,
como si este fuese uno de las causas de la pasión y la
venganza. Destaca algunas referencias al calor y relaciónalas con
lo que le sucede a los personajes.
